15 de diciembre de 2012

Mies/ Gaudi


Al explorar un material se puede lograr la ornamentación que se desea

La arquitectura, no debe ser algo que se evalúe o se considere como bueno o malo, creo que eso depende mucho de la perspectiva la mayor parte del tiempo; debe identificarse a partir del estilo y las técnicas del diseño. Si se hace una reflexión sobre Mies van der Rohe junto a Gaudí, inmediatamente consideramos como evidente el hecho de que no se pueden analizar o estudiar partiendo de un mismo punto; esta situación podría ser cierta, pero no en todo su sentido, y luego plantearé el por qué. Estos dos hombres logran desarrollar arquitecturas importantes en la historia de una manera particular, partiendo de unos puntos que parecen ser distanciados y ajenos uno del otro, pero pueden estar estrechamente relacionados.

Gaudí fue un arquitecto que siempre consider la ornamentación como medio para lograr una buena arquitectura. Él creía y proponía que la construcción y la decoración estuvieran al mismo nivel, tuvieran un mismo valor. Este hombre además pensaba que era necesario e importante ajustar los medios a los fines, no limitar tus propósitos en la construcción, descubrir la utilidad y sacarle provecho al material que te es dado. Es por eso que Gaudí critica la arquitectura moderna en cierto punto y culpa a la construcción por la misma; considera que no se le da la elocuencia debida a los diseños de la época. Un ejemplo que nos brinda en relación con el tema de los fines y los medios, es una comparación y contrastación entre el Partenón, el cual considera posee unos materials bien trabajados y empleados; y la Ópera de París, la cual considera que tiene un diseño mezquino. Gaudí remarca también que no solo se trata de hacer grandes proyectos, sino lograr que sean construibles, es por eso que en los trabajos de Gaudí vemos un esfuerzo por usar el material en todos sus sentidos, descubrir todas sus posibilidades.

Mies van der Rohe, a diferencia de Gaudí, nos propone un arquitecta en un contexto más internacional; que se pueda realizar en distintas partes del mundo con bastante facilidad. Mies, en términos de la utilidad que le da a los materiales, comparte con Gaudí unos pensamientos que se pueden asimilar. Ahora bien, este arquitecto nos propone el utilizar los materiales e implantarlos sin ninguna especie de ornamentación aplicada, más bien trabaja una decoración integrada, que es producto del material utilizado. Buen ejemplo de esto es el Pabellón de Barcelona en Alemania, un proyecto donde Mies utiliza el vidrio, la piedra pulida y las dos piscinas como espejos del entorno; datos que amplían el espacio y dan profundidad, que también pueden es una manera de trabajar la estética y la ornamentación. Mies explora los materiales, más propone una arquitectura vanguardista, que supere alturas ya establecidas y utilice materiales que no se frecuentaban antes en el diseño tradicional, como el vidrio y el acero, entre otros.

Generalmente hablando, podemos comprender bastante bien, que parte del crear arquitectura es entender y conocer un material, descubrir sus posibilidades. Eso es algo que tanto Gaudí como Mies, y muchos otros arquitectos, realizaron en sus proyectos. Claro está que sus trabajos y resultados son absolutamente distintos, pero estudiamos más a fondo el proceso de estos productos, descubrimos que prácticamente parten de premisas muy relacionadas. Mies trabaja la ornamentación integrada a la estructura, Gaudí también lo hace, pero tal vez dentro de un contexto más artístico y medieval.
 
Referencias:
 

13 de diciembre de 2012

Le Corbusier


Le Corbusier, ¿un gran arquitecto innovador o solo un buen sintetizador de la arquitectura tradicional?

            Le Corbusier, aunque no lo parezca, además de utilizar muchos métodos propios y singulares, también trabajó la tradición clásica y antigua. Este hombre es considerado uno de los arquitectos más influyentes durante la edad moderna y el racionalismo, su definición y características. Este arquitecto multifacético, también artista, escribía sobre el diseño de las ciudades, la vivienda y la distribución, además de otros temas relacionados al urbanismo de los que luego se hablará. Le Corbusier fue gran contribuidor en lo que fue el urbanismo, su planificación y su distribución de espacios para la década del 20 al 40 aproximadamente, del siglo pasado.

            Le Corbusier crea una arquitectura que para aquella época, constituye un perímetro singular, un diseño particular que rompe con lo tradicional, y que en ocasiones era incomprensible para la sociedad. Este hombre lo que hace es abstraer determinados puntos de lo clásico, para estudiarlos y analizarlos, y luego reimplantarlos en el terreno con su estilo y renovaciones. Este arquitecto no fundó el racionalismo a partir de la nada, no borró la historia previa, sino que conoció y entendió la misma para luego establecer sus técnicas. Este es un dato que se puede comparar con Picasso, ya que él también logró abstraer de una manera particular el arte figurativo, convirtiéndola en una minimalista y subjetiva.

            Este individuo logra definir o establecer unos métodos concretos y de mucha utilidad para lo que fue la arquitectura y el urbanismo luego de la segunda guerra mundial. Estos elementos del arquitecto suizo surgen muy marcados en Europa, pero no significa que no logran entrar en otros territorios alrededor del mundo, como África, India y países de Latinoamérica. Uno de sus escritos contiene una información que cabe destacar en esta reflexión, y es los cinco puntos de una nueva arquitectura, del libro Vers une architecture: el techo jardín, la fachada libre, la planta libre, la ventana longitudinal, y por último, el sistema de pilotis. Estos cinco puntos establecen un nuevo orden en el diseño de edificaciones, y se reflejan claramente hasta luego de la muerte del CIAM, en muchos países ajenos a la Europa occidental. Ejemplos en donde Le Corbusier emplea estos puntos son: el plan de vivienda que diseña para Pessac, la casa Citrohan y la Villa Savoy; todos comparten el sistema de la planta libre, el techo jardín y la ventana longitudinal.

            Concluyendo, Le Corbusier trabaja en su arquitectura la estética y lo funcional como dos características intercaladas, que deben relacionarse una con otra en el diseño. Este individuo no solo trabajó bajo los cinco puntos de los que hablamos anteriormente, sino que a medida que las décadas transcurrían establecía nuevas técnicas en sus diseños. Le Corbusier también destacó la composición por partes y elementos, con la cual expresa cuatro composiciones con las que se puede construir una vivienda unifamiliar. Un buen ejemplo de la composición por partes es el Centrosoyus en Moscú. Quiere decir que para lograr evolucionar o abstraer en la arquitectura o el arte, es fundamental entonces conocer lo figurativo y lo clásico; la abstracción no es mas que la descomposición por partes de un todo concreto, así nos lo dan a entender estas figuras de la época moderna.

 

29 de noviembre de 2012

Jackson Pollock

            


Verónica C. Rosado Pérez                                                           Rosado Pérez 1
Prof. Javier Isado
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27 de noviembre de 2012      
El arte, su creador y la estética
            Cuando se habla del arte es muy difícil definir el sentido en el cual abundamos o desarrollamos sobre esta palabra. Es, en términos del dibujo y la pintura, o puede ser figurativo, al igual que abstracto; la clasificación de esta siempre estará sujeta a la perspectiva del mundo y sus progresiones a través de la historia. El hombre, siendo víctima de la sociedad y la cultura establecidas hasta el presente, desempeña su potencial; o al menos lo intenta, de una manera bastante definida; es esto entonces similar a argumentar que el arte, sometida al estado social y económico en el cual se encuentre un grupo, puede definir su rumbo y decidir a través del artista por qué vías se dirigirá. El arte es un resultado de crítica o elogio hacia el mundo; pero también la estética de este, la belleza que encontramos en sus componentes. Umberto Eco habla sobre el tema de la estética y con este indaga sobre la obra y la importancia de la forma y el proceso formativo; cuán influyente es el creador y cómo se relaciona con su creación.
            El arte puede catalogarse entre lo que conocemos como abstracción, figura literal, surrealismo, representación, cubismo, entre otros; es la historia del mundo la causante de que exista hoy tanta subjetividad entre estos distintos estilos e incluso la culpable de cómo son valorizados en ocasiones los mismos. Ejemplos de esto pueden definitivamente ser Picasso, quien al ser uno de los padres del cubismo, fue criticado por muchos sobre este nuevo estilo que escapaba de la realidad de aquella época; y Pollock, que se manifiesta dentro del expresionismo abstracto, que surge para tiempos de posguerra,  y adopta su propia técnica en la pintura, la cual denomina “action painting” y consiste en el derrame de pintura sobre el lienzo tirado en el suelo y sin tensar. Estos, al igual que muchos otros artistas de la época, sufrieron la crítica de la sociedad antes de llegar al internacionalismo y obtener la fama debido a esas representaciones que pintaban, esas técnicas y atrevimientos en el arte que no todos comprendían de igual manera y al mirarlo por vez primera. Dice Benedetto Croce; filósofo, historiador y crítico literario italiano (1866-1952), que el arte es una visión o ilusión, una forma de conocimiento que no distingue entre realidad e irrealidad.  Se puede entonces defender, con este pensamiento de Croce, lo que Picasso, Pollock, Braque, entre otros, reflejaban en sus cuadros; ellos interpretaban la vida y la plasmaban en el lienzo de manera abstracta y surrealista; pero dejaban también la interpretación de la obra abierta a los espectadores, ya que sus estilos incluso hoy tienden a comprenderse con mucha subjetividad. Cada ojo veía y ve algo distinto.            
            Cuando se argumenta sobre el arte es necesario explicar los papeles que juegan la estética y la forma en la misma. Luigi Pareyson, filósofo italiano e importante pensador de la estética y la formativa,  establece la teoría de la formatividad que dice que toda la vida humana es invención, producción de formas; que su laboriosidad da lugar a creaciones orgánicas dotadas de comprensibilidad y autonomía propias. Ahora bien, en este argumento Pareyson habla de la invención en términos generales; el arte tiene unos procesos formativos que la diferencian de otras formaciones, las cuales Umberto Eco explica al escribir sobre cómo la persona crea arte, cómo piensa y actúa para lograr sus formaciones y cómo estas ya realizadas expresan la personalidad del autor. No se puede olvidar plantear que la pintura también obtiene su valor de lo que de ella se interprete y que es importante que se de la oportunidad al artista de manifestarse en su creación. El arte es algo inimitable y además, experimental en donde la estética podría llegar a
ser dominante pero también estaría abierta a una consideración de cada espectador individualmente.
Generalmente hablando creo que la utilidad que se le da al arte nunca puede ser juzgada como mala o buena, mejor o peor. Esta se recuesta de los procesos de formación que habla Umberto Eco y, es además un periodo de experimentación que luego termina en un desarrollo agradable al ojo del creador. No hablo de un resultado final sino de un desarrollo, ya el arte es algo que logra muchas soluciones pero nunca deja de evolucionar o cambiar. Es también por eso necesario recordar que a la hora de contemplar una obra de arte se debe hacerlo evaluando todo el proceso formativo y no solo recostarse de lo que se aprecia ante una contemplación estática y superficial.








2 de noviembre de 2012

Renacimiento/ Arte Gótico

 

Verónica C. Rosado Pérez                                                                                       Rosado Pérez 1

Arqu 3121-005

Prof. Javier Isado

2 de noviembre de 2012

Las proporciones  del  hombre perfecto

Han sido muchos los que se han preguntado sobre la complejidad de las medidas y proporciones que utilizaban las antiguas generaciones;  civilizaciones medievales que lograron obras tan arduas y precisas como lo que el Partenón y otros templos griegos, y tan afanosas  y abstractas como las catedrales góticas de toda Europa medieval; uno de los mejores ejemplos es la Catedral de Amiens. Los antiguos griegos lograron una perfección casi imposible de entender para los estudiosos que hoy investigan los secretos que guarda esa arquitectura  en los  complejos templos. La aparición de la arquitectura gótica en Europa fue un móvil para la utilización de proporciones abstractas en la construcción de estas grandes catedrales que logran una altura que muchos ingenieros, expertos, arquitectos e historiadores tratan de explicarse; y que además suponen puede ser causa de una posible catástrofe de colapso de estas majestuosas obras. Lo que los investigadores analizan e intentan comprender es cómo estas sociedades lograron esas majestuosas obras sin los medios que hoy se tienen. Cómo esas generaciones lograron establecer  unos complejos y precisos sistemas de proporción que se derivaron del profundo estudio del cuerpo humano, en el caso de los griegos; y el estudio de la Biblia y otros escritos sagrados en el caso del arte gótico. 

La antigua Grecia es un ejemplo concreto de la perfección que puede existir en las proporciones del cuerpo humano y cuan útiles pudieron  ser para lograr unas majestuosidades de proyectos que prevalecen hasta hoy. Un proyecto que nos sirve de base para explicar esta argumentación es El Partenón en la Acrópolis, una obra que los griegos realizaron para el siglo V donde utilizaron unos cálculos y medidas tan rigurosos, que son casi incomprensibles para el grupo de restauración de Acrópolis, quienes trabajan por salvar esta gran obra arquitectónica. El Partenón fue construido en mármol por miles de escultores de aquella época  durante un periodo de aproximadamente nueve años; un lapso de tiempo relativamente corto para lo que es este templo que se compone de alrededor de 7,000 piezas, cada una con una información distinta que dar a los restauradores.  Se cree que los griegos consideraban al hombre como poseedor de las medidas ideales y que sus construcciones se basaban en cálculos sobre sus partes, como se relacionaban unas con otras; incluso los investigadores consideraron la utilización de la ilusión óptica para lograr las curvas tan sutiles que el Partenón posee. Una característica que el Grupo de la Acrópolis debe lograr es la unión precisa de todas esas piezas que componen la estructura en el orden correcto, con el fin de proyectar las curvas y los pocos ángulos rectos que los griegos trabajaron siglos atrás.

            Ahora bien, los griegos no fueron los únicos que lograron complejidades arquitectónicas casi incomprensible e inimaginables. Hubo un grupo de arquitectos durante la época medieval que trabajó lo que conocemos como la arquitectura o arte gótica y se destacó por crear unas alturas increíbles en sus obras, que en este caso nos referimos a las catedrales; además por dar un significado divino  a esas maravillas de proyectos. Suger es uno de los mejores ejemplos de la arquitectura gótica, quien utilizada la luz como elemento de construcción en sus catedrales; una prueba de esto lo es la Catedral de San Denis.  Hoy, un grupo de ingenieros, arquitectos e historiadores tratan de entender como estas catedrales alrededor de toda Europa Occidental logran sostenerse, qué hicieron estos arquitectos y en qué estudios se basaron para elaborar estas obras divinas. Los investigadores mientras buscan estas respuestas descubren las terribles consecuencias que sufren las catedrales hoy por los errores que cometieron aquellas generaciones, y logran concluir que estos arquitectos buscaban una cercanía a la divinidad de Dios, así que se basaban en escritos bíblicos para establecer las proporciones y medidas que utilizaban. Otro dato fundamental en esta dialéctica es que la gran altura de las catedrales se debía al diseño de los arcos puntiagudos que dirigían la fuerza de gravedad hacia un punto más diagonal y vertical, provocando que las líneas de tensión soportaran mayor peso y altura que lo que previamente soportaba un arco de medio punto.

            Hablando en términos generales se puede deducir que la arquitectura medieval tuvo y tiene mucho que decir entre sus paredes, secretos que pueden anunciar posibles colapsos de grandes obras, como lo es la catedral de Amiens o la de Chartres en Francia;  así como magníficos descubrimientos que responden lo arduo y casi perfecto que fue la elaboración de los templos griegos.

9 de octubre de 2012

“Una casa es una máquina para vivir. [...] La casa debe ser el estuche de la vida, la máquina de felicidad.”                                                                                                 
                                                                                                                    
“La arquitectura debe de ser la expresión de nuestro tiempo y no un plagio de las culturas pasadas.”                                            
                                                                      
-Le Corbusier                                          
 
 
 
 “Empieza por hacer lo necesario, luego lo posible y de pronto te encontrarás haciendo lo imposible.”                                                                          
 
-Francisco de Asís                                    

MIT Architecture- sistemas materiales

MIT Architecture from Paper Fortress on Vimeo.


Este video guarda algo de relación con la reflexión de Sistemas Espaciales/ Estilo y ornamento.

5 de octubre de 2012

Sistemas Espaciales / Estilo y ornamento


Verónica C. Rosado Pérez                                                                    4 de octubre de 2012
ARQUI-3121-005                                                                                      

Prof. Javier Isado

La luz, el color, la temperatura y la textura contra el espacio

            La arquitectura es una profesión que se sirve de unos elementos muy contribuyentes en el desarrollo del diseño. Lograr que un proyecto funcione implica saber identificar un espacio o área de terreno, este es uno de los elementos fundamentales  para la arquitectura. Ahora bien, el construir no solo significa conocer esto. Existen factores variables que también son vitales en la profesión. Estas herramientas son todas de gran importancia en el diseño, unas difieren de las otras, pero según Unwin explica, todas juegan un papel fundamental. Es como en la moda, que el diseñador debe conocer sobre esta y sobre otros elementos exteriores que la influyen.

            Un espacio no se determina de la nada. Cuando se define un área de terreno se está clasificando un tipo de lugar que trabajaré y alteraré a mi disposición. Unwin establece que definir un lugar se puede lograr de muchas maneras; por medio de barreras, una cavidad, una cubierta e incluso un camino que pudo haberse formado por la constante utilización del lugar por  las personas. Él además habla sobre la utilidad del vidrio como un factor frecuentemente utilizado durante los últimos tiempos para definir espacios; de este modo se crea un obstáculo físico pero no visual. Los elementos primarios mencionados parecen ser datos elementales, pero son esenciales en la arquitectura; además la creación de planes más complejos nacen de esa simplicidad.

            Unwin nos explica sobre el definir un espacio como un elemento fundamental pero también nos habla de la existencia de elementos variables que son muy significativos para el diseño.  Al ser variables pasan a ser controlables y modificables; la luz, el color, la temperatura y la textura son factores que contribuyen grandemente en el reconocimiento de un lugar, un ambiente, y por lo tanto, su carácter. Estos se pueden alterar de acuerdo a cómo el arquitecto desea que la luz juegue alrededor de la estructura, cómo la atraviese, cómo se refleje, qué texturas serían las indicadas; conceptos decorativos que distinguen un lugar de otro, y esto lo podemos asimilar a los escritos de Rudofsky que hablan sobre cómo la arquitectura se realizaba desde los primeros progenitores cuando trabajaban con lo que denominamos diseño rudo. Un ejemplo que ofrece Unwin sobre la iluminación es la iglesia Notre Dame en Ronchamp, donde Le Corbusier buscaba una iluminación que causara ese ambiente espiritual y de meditación necesario, sin dejar a un lado sus ideas arquitectónicas. Otro ejemplo que demuestra la efectividad de estos factores fundamentales y variables lo es el proyecto de los Baños Termales de Vals, donde el diseño modifica la iluminación que entra a la estructura con el  fin de proveer un ambiente de desprendimiento de la realidad; posee una estética textura por todas sus paredes, que forman un estilo y ornamento integrado muy genuino; y la temperatura, que se relaciona con los colores que contiene el lugar en sus distintas áreas.

            Es esencial depender de las herramientas fundamentales y variables para crear una auténtica arquitectura. No se logra realizar un buen diseño si no se tiene dominio y comprensión clara de estos factores. Se puede argumentar junto a esta idea sobre los estilos y ornamentos. Estos se pueden clasificar como elementos variables que logran diferenciar un espacio y lo etiquetan como reconocible. Peter Zumthor logró la integración de todos estos conceptos en su proyecto de los Baños Termales en Suiza. Toda arquitectura, o al menos, la mayoría debe regirse por esas normas que Zumthor utilizó como guía y Unwin explica determinadamente, ya que son ineludibles para el proceso de diseño.

Referencias:
          Unwin, Simon. "Elementos fundamentales de la arquitectura" y "Elementos variables de la arquitectura". Análisis de la arquitectura. Barcelona. 2003. Editorial Gustavo Gili, SL. p. 19-35.

          Unwin, Simon. "Thermal Baths, Vals". Twenty Buildings Every Achitect Should Understand. London y New York. Routledge, Taylor & Francis Group. p. 211-216

          Barthes, Roland. El sistema de la moda y otros escritos.  "Historia y diacrónica de la moda" y "La moda y las ciencias humanas". Barcelona, Buenos Aires, México. Paidós. p. 333-419.

          Rudofsky, Bernard. "A Short Introduction to Non-pedigreed architecture". Architecture without Architects. Alburequeque. University of New Mexico Press.

        

4 de octubre de 2012

Presentación del curso


Verónica C. Rosado Pérez                                                                  4 de octubre de 2012

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Prof. Javier Isado                 

Arquitectura sin límites es arquitectura de todos

http://www.elcisne.org/ampliada.php?id=308
La arquitectura debe trabajarse al servicio de la gente, con ella, y a la vez ser adaptada y accesible, mejorando así sus condiciones y creando un diverso entorno en el que este se desarrolle plenamente.  El sol es esencial en la construcción y por ende siempre debe estar presente en la mente del arquitecto; ahora, no solo eso determinará la funcionalidad de nuestros diseños, hay que considerar también las necesidades que el mundo hoy requiere, por ejemplo, la disminución de residuos tóxicos al medio ambiente.  McDonough habla sobre la ubicación del sol como si fuera el motor de arranque para crear arquitectura; Beleta habla sobre la accesibilidad como una necesidad no solo para los incapacitados sino para todos;  Perrault habla sobre los espacios públicos que han sido adaptados como inaccesibles a toda la sociedad, privándonos de ese derecho que es nuestro; y el taoísta y economista Nicholas You habla sobre el entorno físico que debe moldearse con la gente que se verá directamente afectada luego, o sea, la sociedad. Todos ellos demuestran que la arquitectura no es solo proyectar ciudades y entornos, sino crear el mundo junto con la comunidad y sus necesidades.  

Si la arquitectura debe emplearse con la sociedad y para su beneficio por qué nos enfrentamos día a día con incomodidades y limitaciones provocadas directa e indirectamente por los diseños. Mc Donough discute, en una entrevista titulada Un arquitecto primero mira el sol , que muchos edificios son amenazas para la humanidad y que esto es así ya que muchos arquitectos no se preocupan por saber la ubicación del sol y beneficiarse del mismo, ni consideran la abundancia de  desperdicios como algo que disminuir de este mundo.  Un diseño, además de  propiciar la integración con la naturaleza y la civilización, debe ser adaptado, accesible o ambos; esto sería resultado de una vida más cómoda para todo tipo de persona. Enrique Rovira Beleta, supresor de barreras arquitectónicas que quedó inválido desde la temprana edad y que es víctima de esta inaccesibilidad, comenta que la arquitectura nos limita y no nos da libertad completa seamos incapacitados o no; por eso él induce que indaguemos sobre la accesibilidad en el diseño para lograr que este dé libertad a la sociedad y permita que se desarrolle, claro, la adaptación no debe olvidarse ya que brinda cierto significado especial al diseño.

Algo importante que discute el arquitecto Dominique Perrault en la entrevista titulada El edificio público para quien lo paga, es que el espacio público debe ser disfrutado por todos, y que si ya hemos pagado indirectamente al gobierno por esas propiedades, no existe razón justificable por el que paguemos para aprovechar esas facilidades que supuestamente son de todos pero a la vez de nadie. Ya está tan plasmada en la sociedad esa costumbre de pagar por los espacios públicos (museos, galerías, teatros, etc.) que se ha perdido la oportunidad de deleitarse de esos lugares que indirectamente nos pertenecen. Es por eso que el diseño debe ser creado con la gente, para servirle a la gente y para la recreación de la humanidad; que si yo deseo o necesito aprovecharme de un espacio público me sienta en la libertad de hacerlo sin interrupciones. Nicholas You habla de un tema muy relacionado al espacio público; que es el acto de cambiar o modificar una sociedad estableciendo que no se logra simplemente diseñando una ciudad o entorno para esta, sino basándose en sus hábitos de vida para que este pueda estructurar a la misma. Me explico, es como el ejemplo que da You sobre los artistas de grafiti en Brasil, contándonos cómo este vandalismo de la calle se convirtió en un arte apoyado y valorado por la sociedad.

Todos estos arquitectos que argumentan sobre la naturaleza, la sociedad, la utilidad del espacio, la accesibilidad y otros factores se pueden explicar de manera general y resumida con las ideas que plantea Octavio Paz en su escrito El uso y la contemplación. Allí habla sobre las reglas de la funcionalidad y las reglas de la decoración que, para la arquitectura parecen ser una continua contradicción. Se debe aceptar que ambas reglas se pueden relacionar y trabajar en conjunto, es decir, una arquitectura debe patrocinar tanto la utilidad como la belleza. Esta es otra manera de explicar que la arquitectura puede ser accesible y adaptada, funcional y para todos. No debe separar estas características que la hacen genuina, ni desviarse por otros rumbos que a la larga afectan el desarrollo de la humanidad.

Referencias:
Amiguet, LLuis. "Un arquitecto primero mira el sol". La Vanguardia Digital. (2004) LaVanguardia.es La Vanguardia Ediciones S.L. Catalunya. sep. (2012) http://www.lavanguardia.es/Vanguardia 
Sanchis, Ima. "¿Puedo ir de visita a casa de todos ustedes?". La Vaguardia Digital   (2004) LaVanguardia.es. La Vanguardia Ediciones S.L. Catalunya. sep. (2012) http://www.lavanguardia.es/Vanguardia  
Amiguet, LLuis. "El edificio público para quien lo paga". La Vanguardia Digital. (2004) LaVanguardia.es La Vanguardia Ediciones S.L. Catalunya. sep. (2012) http://www.lavanguardia.es/Vanguardia
Sanchis, Ima. "Allí donde vayas tienes algo que aprender". La Vanguardia Digital. (2004) LaVanguardia.es La Vanguardia Ediciones S.L. Catalunya. sep. (2012) http://www.lavanguardia.es/Vanguardia
Paz, octavio. "El uso y la contemplación". Presentación del Curso. Introducción a Arquitectura. sep. (2012) http://www.arqu3121.blogspot.com

 

¿Qué es un diseñador?

 
Verónica C. Rosado Pérez                                                                  2 de octubre de 2012
ARQUI-3121-005                                                                                       
Prof. Javier Isado

¿Entonces el material viene después del diseño o puedo trabajarlos a la vez?

El diseño y la utilización de materiales en la arquitectura están compuestos por una gran variedad de elementos relevantes en esta dedicada carrera. Diseñar es aquello que se denomina, en el caso del arte y la arquitectura, como la acción de crear algo; una manera de ejecutar una idea por medio de un proceso analítico, crítico y de pensamiento, mediante la mezcla de distintos niveles de raciocinio y el cuestionamiento constante sobre esa idea. Los materiales  son elementos contribuyentes en la realización arquitectónica, un tipo de material debe utilizarse con cierto diseño por una razón.
            Peter Zumthor habla en su escrito “A Way Of Looking At Things” sobre el diseño como algo que se trabaja adjunto a la historia; el pasado, el presente, en ocasiones, el futuro, y las memorias. Este argumenta que el hacer arquitectura y todo lo que esto implica debe tener sentido y debe ser significativo para quien lo trabaja profesionalmente y para quien se beneficie del proyecto luego de realizado; un ejemplo de esta idea es el proyecto de los Baños Termales de Vals en Suiza que provocan la conexión de cuerpo, mente y espíritu, por su auténtico estilo arquitectónico. Un diseño es eficaz cuando el que lo trabaja entiende su propio contexto tomando en cuenta el espacio, el entorno y el lugar en donde se ha de llevar a cabo dicho plan arquitectónico; hoy se toma en consideración la utilización de sistemas reciclables y reusables que protejan el medio ambiente y que no lo afecten negativamente a corto y a largo plazo. Así lo explica el arquitecto Ken Yeang cuando describe su edificio de la Biblioteca Nacional en Singapur como un diseño ecológico y propiciador de recursos renovables tales como: el ahorro del consumo de energía, la utilización de la luz solar, etc. William McDonough es otro arquitecto que también plasma la idea de utilizar los residuos de otros para renovar diseños arquitectónicos, así como argumenta que es fundamental aplicar sistemas naturales creando una nueva mentalidad y espíritu arquitectónico. El diseño es un conjunto de partes individuales que al incorporarlas toman una nueva forma y obtienen una nueva finalidad; ante esto el profesional debe tener presente siempre conocimientos históricos sobre la vida y el tiempo; motivos para que su trabajo sea funcional ante la sociedad y como explican Yeang, DcDonough y Sobeck que no afecte negativamente al factor naturaleza.
            El estudio de los materiales a utilizarse en un plan arquitectónico es un dedicado paso en el proceso de diseño; más aún es esencial en este campo, y Peter Rice, en su escrito “An Engineer Imagines” explica  claramente la complejidad de este procedimiento. Allí habla sobre el análisis de ciertos  materiales de construcción: el hierro dúctil, el ferro cemento y el acero fundido. Estos fueron evaluados para la construcción del Museo de Menil en Houston, para el techo del lugar ya que tenía que ser estructurado a beneficio de las galerías y favoreciéndose de la luz natural. Hablando de la luz natural podemos señalar los elementos renovables y los materiales reusables que se han integrado en los proyectos durante los últimos tiempos; estos buscan remediar en el futuro los daños que crearon nuestros antepasados al edificar sin pensar en su influencia en las generaciones del presente. Cuando se escoge un material para la edificación de un diseño es relevante estudiar las necesidades y requisitos del proyecto.  Es necesidad del trabajador establecer por qué cierto diseño debería ser realizado con cierto material, como lo hicieron los productores del Museo Menil que estudiaron los distintos materiales disponibles tomando en consideración las obras de arte; así como la luz solar y la artificial.
            El ser arquitecto conlleva ser de amplios conocimientos sobre la vida; tener presente el espacio, la naturaleza, la gente; en fin, todo es arquitectura. Un arquitecto no solo diseña por el hecho de crear algo más en este mundo; este piensa el por qué, para qué, cómo, dónde diseñar, y con qué. Este construye con fines  y utiliza los materiales en el proyecto por unos motivos que él entiende pueden ser fundamentales en la realización del proyecto ahora y en los próximos años. Así lo explica Zumthor en la lectura, una edificación arquitectónica debe dar voz de su motivo  de existir y de estar en determinado lugar. Esto es posible de lograr cuando se crea un diseño formado por partes significativas y se utilizan los materiales más propios para el desarrollo genuino del contexto del proyecto.
Referencias:
           Zumthor, Peter. "A Way of Looking at Things". Architecture and Urbanism. Feb (1998). Extra Edition.
 
           Rice, Peter. "Menil". An Engineer Imagines. London Zurich Munich. Artemis. (87-94):
       
           De La Sota, Alejandro. "Carta Maravillas". Alejandro De La Sota: escritos, conversaciones, conferencias. Madrid. Puente, Moisés. (1997): Ediciones Pronaos. p.74.
 
         Documentales: "Design E2: Deeper Shades of Green". "Thermal Baths, Vals". "Centre  Pompiduo"                   


El Gesto Arquitectónico


Verónica C. Rosado Pérez                                                                        2 de octubre de 2012
ARQUI-3121-005                                                                                      

Prof. Javier Isado

Diseños pueden ser muchos pero el lugar será solo uno

El gesto arquitectónico es un gesto de posesión de un terreno o espacio: cómo este se trabaja, se modifica o se altera de acuerdo a quien lo posee. Cuando se hace arquitectura se trabaja íntimamente ligado con el espacio del que se dispone para realizar un proyecto. Muchos se plantean qué diferencia a un arquitecto de un ingeniero a la hora de hablar sobre la construcción y el diseño de edificios. Tanto los arquitectos como los ingenieros varían en estilo y opinión dentro de sus disciplinas. Esto se aprecia en la manera en que responden cada uno a un mismo problema; esto se puede complementar con la idea que sobre el lugar, ya que un ingeniero no reacciona ante este de la misma manera que lo hace un arquitecto.

            El lugar, un suelo, es un elemento  inicial en el proceso de hacer arquitectura. Cuando se planifica un proyecto se debe interpretar ese espacio en el que se creará el diseño; contemplar sus atributos y condiciones. Rafael Moneo explica sobre las determinaciones que se le da al gesto de poseer, en este caso, un terreno o espacio. Al tomarse dominio de este se adquiere poder  sobre él y es el individuo que lo posee quien decidirá alterarlo de acuerdo a sus intenciones o necesidades. Entonces aquí es donde el diseño entra en acción, creando lugares funcionales e incluso en ocasiones con cierto valor simbólico y/o estético. La arquitectura es un gesto físico, una realidad que establece valores sobre un espacio, y que una vez construida forma parte del mismo entorno natural que ocupa. Dos proyectos que explican la idea de la relación entre la naturaleza y la arquitectura que Moneo presenta son Kursaal en San Sebastián y la Fundación Pilar y Joan Miró en Palma de Mallorca, que son diseños que nacieron del lugar en donde se establecieron y ahora forman parte de él.

            El espacio que se posee es importante pero es también fundamental hablar sobre el poseedor, que es quién luego moldea el espacio de acuerdo a sus requisitos. En nuestro caso el poseedor puede ser un ingeniero o un arquitecto. Muchos se preguntan a diario qué los diferencia, cuál es más fundamental a la hora de diseñar un espacio. La realidad es que, basándome en lo que Rice explica, ambos tienen distintos puntos de vista y no responden de  igual manera para resolver un mismo problema. El arquitecto no mira el proyecto tomando  las mismas consideraciones que toma un ingeniero, las soluciones que presentan son desiguales; un arquitecto establece respuestas que son inicialmente creativas, mientras que un ingeniero es inicialmente más técnico e inventivo.

Toda esta argumentación me hace entender que el lugar juega un papel significativo en el proceso de diseño y que el poseedor altera ese espacio dándole valor funcional, simbólico y estético. Hay muchas maneras de interpretar la realidad para realizar la alteración de un lugar. Existe entonces la necesidad de  tomar consideraciones tanto personales, como técnicas y racionales para que el producto sea preferiblemente integrado al espacio natural. Una conducta eficiente en este proceso es servirse del interior y del exterior de nuestro ser para llegar a la solución; es por eso fundamental que en estos trabajos intervenga tanto la mano del arquitecto como la del ingeniero, ya que cada uno tiene un juicio distinto que dar sobre el proyecto.

Auditorio de Tenerife, España. Proyecto del arquitecto Santiago Calatrava para finales del siglo XX http://francotrezza.blogspot.com/2012/05/auditorio-de-tenerife-espana.html

Referencias:

Moneo, Rafael. "El murmullo del lugar". Circo. 24. 1995. p. 634-640.

Rice, Peter. "The Role of the Engineer". An Engineer Imagines. Artemis. London Zurich Munich. p. 71-81






 

10 de septiembre de 2012

Baraka


Verónica C. Rosado Pérez                                                                7 de septiembre de 2012
ARQUI-3121-005 
                                                                                     
Prof. Javier Isado      


La naturaleza, la cultura y el entorno son también diseñadores del mundo

Baraka, una producción de Ron Fricke y Mark Magidson, es una película que provee al espectador  una variedad de imágenes y escenas sobre distintos lugares del planeta, así como distintas facetas que vive el ser humano; esta producción nos muestras de una manera evolutiva la transformación del mundo, la sociedad y las personas como individuos. ¿Cómo las imágenes que el ojo contempla y la música que los oídos perciben influyen directamente en la comprensión de las mismas? Baraka tiene otras intenciones que van más allá de mostrarnos un conjunto de imágenes sobre distintas partes del mundo y distintos aspectos de la vida.

Cada imagen presentada en conjunto con la variedad musical producida por Michael Stearns, tiene un significado o valor que contribuye al entendimiento de la idea de la película. Esta comienza introduciéndonos con la naturaleza y los animales; luego pasa a establecer la relación entre el hombre y el medio ambiente, que es entonces el entorno en el que este se desarrolla culturalmente, como se aprecia claramente en las tribus africanas y los distintos grupos indígenas de América latina. La película, a medida que avanza nos introduce al mundo del diseño y  la arquitectura del entorno a lo largo de la historia; nos muestra el proceso evolutivo de esta, desde sus principios, cuando era mayormente integrada con la naturaleza, y cómo va siendo alterada a medida que la sociedad cambia. Toda esta comprensión del entorno que contemplamos a través de las escenas de la película, van acompañadas de diversas armonías que permiten un entendimiento más preciso cuando se analiza la misma.

Baraka es una filmación que intenta llevarnos por una trayectoria que nos encauza entre las diversas características de una civilización que actúa constantemente ante su entorno natural, cultural y arquitectónico. Entiendo que con las imágenes, la película propicia el diseño como algo que empeña el individuo para darle sentido a su vida, para dar significados que con su conocimiento no puede explicar y que muchas veces es abstracto, y para satisfacer sus necesidades biológicas. Esta propone que analicemos los distintos puntos de vista que existen ante el espacio; unos actúan íntimamente relacionados con este, mientras que otros la dominan y la alteran de acuerdo a sus necesidades y gustos y la domina.

Generalmente hablando se puede decir que Baraka te da una visión amplia del mundo y su diversidad. Abarca una gran cantidad de elementos que nos ayudan a conocer y entender el mundo;  el espacio, lugares, culturas, religiones, la pobreza, la riqueza, la guerra, entre otros. No olvidemos mencionar que nos lleva al pasado. Revive momentos de la historia que definen nuestra sociedad hoy. Concluyendo, opino que esta película comparte una serie de  ideas que juegan con la mente y los sentimientos. La filmación nos permite tener una visión amplia sobre el mundo social y cultural.

Referencias:

Documental Baraka. Edición de Ron Fricke. 1992.

www.spiritofbaraka.com/baraka